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Son hijos y voces del movimiento tropicalia, por derecho propio. Boogarins son la evolución real y lógica del legado de Os Mutantes o Caetano Veloso, artistas que representaron no solo a un país y sus intenciones innovadoras, también su situación y realidad social.

Procedentes de lo más profundo de Brasil, de Goiânia, la banda liderada por el multiinstrumentista y cantante Dinho Almeida (con Benke Ferraz, Hans Castro y Raphael Vaz acompañándole) construye su discurso a partir de un contexto que conocemos muy bien y compartimos todos los seres humanos de este mundo.

«Tal vez siempre ha sido así. Pero parece que vivimos en un momento en el que podrías sentir la llegada de un final agridulce dentro de la situación caótica del mundo actual. Las relaciones pierden su significado. El cinismo ya no es solo un sentimiento. Es algo sólido. Todos los días ocurre que realmente no quieres despertar. Estas canciones son un reflejo de la falta de sensibilidad en la que vivimos. Tal vez es hora de ser fuerte”. Era lo que comentaba el propio Almeida al hablar de su álbum editado en 2017, «Lá Vem a Morte”.

Música brasileña donde todos los términos y connotaciones posibles confluyen; respetan su tradición psicodélica sumergiéndola en los problemas actuales para darle un nuevo significado; canciones llenas de riffs, elementos procesados de la bossa nova y el rock americano de los 60, cantadas en portugués que respetan su entorno y lo utilizan como núcleo expansivo para su mensaje universal.

Boogarins son música del presente. Música que se siente tal y como se siente nuestro mundo. Un reflejo de su país y de las personas que viven en él.

Si te gustan las canciones atractivas y audaces de por ejemplo Melody’s Echo Chamber, Wampire o Foxygen, no parece descabellado decir que no deberías perdértelos por nada del mundo.

  • febrero 20, 2020

Este par de holandeses crean paisajes sonoros expansivos e intoxicables, suelen tomar prestados fragmentos de soul de los 70 psych-rock moderno; ya sean guitarras psicodélicasfunk o matices lo-fi, con una vibra bastante fresca relajada.

La música de Daniel De Jong y Daniel Leonard Elvis, el dúo de psych pop / soul con sede en AmsterdamFeng Suave, recuerda a tiempos pasados cuando las voces se ahogaban en reverberación y los instrumentos aparentemente parecían que se hubieran grabados bajo el agua.

Debido también a sus melodías vocales conmovedoras, alusivas a esos años 60 y 70 y las líneas de bajo sísmicas y contundentes, crean un diluvio psicodélico cálido y adornado con efectos MUY de ensueño. Para muestra un botón.

Muchas veces su música suena más a un intento audaz de comunicarse con una inteligencia extraterrestre desconocida, en lugar de tocar canciones pop. Con menos de 24 años, ambos jóvenes se conocieron en la difícil etapa de la adolescencia y desde entonces no se han separado.

Su EP homónimo en 2017 y un single en 2018 son su único material hasta el momento, sin embargo, el año pasado, las cosas comenzaron a despegar rápidamente y cada vez van ganando más notoriedad, ya que el público en general ha recibido su música con los brazos abiertos.

Lo que comenzó como un modesto proyecto de dormitorio en 2016 de repente produjo muchos seguidores internacionales. Feng Suave se ha convertido en una banda que ya ha llenado salas en toda Europa y UK en 2019. Los Amsterdammers están trabajando actualmente en el lanzamiento de su LP debut previsto para 2020 y Xtrarradio te los trae antes que nadie. El dúo suele acompañarse de otros 3 artistas que ayudan en sus directos para dar más forma al show; suelen ser un bateristaun tecladista y un bajista. ¿Te vienes?

  • enero 27, 2020

Grandeza’ es su brillante debut en solitario y que definimos como la perfectísima combinación posible de jazz cósmicopsicodelia y tropicalia.

En su trabajo de debut, el paulista Sessa apunta nuevas direcciones dentro de la música brasileña moderna trazando un recorrido sutil y evocador, injertando, a su vez, sublimes detalles de folk autoraljazz minimalista y pequeños efluvios experimentales que ponen al día el legado transversal de Joao Gilberto o Edu Lobo.

Canta en portugués, obviamente, con letras sexuales y viscerales en la línea de Caetano Veloso y florituras melódicas que recuerdan a Tom Jobim o Arthur Verocai. La novedad, sin embargo, es un deliberado tratamiento minimalista poco común en la música brasileña contemporánea que entronca directamente con la desnudez de Leonard Cohen.

Sus directos son ya material de leyenda en su Brasil natal. Mientras la música trata temas como la sensualidad del cuerpo y la trascendencia espiritual, la música apunta hacia nuevas y más sutiles direcciones del pop global en 2020. En directo, se hace acompañar de un coro 100% femenino y percusiones afrobrasileñas, con un resultado de una belleza cautivadora.

Un uso profundominimalista y casi insinuado de las infinitas texturas y ritmos que definen la historia de la composición musical carioca, a la que ahora se une Sessa como una de las nuevas y más prometedores voces.

  • enero 26, 2020

Una combinación que solo podría existir en nuestro planeta, donde un país y su cultura creó el sitar y la raga (India), mientras que otro el sintetizador y el pop (USA). Quizás en un planeta lejano en otra galaxia inventaron una mezcla mejor, pero lo dudamos.

Amrita «Ami» Kaur Dang es una artista estadounidense de origen indio. Desde su niñez, su vida fue una identidad híbrida de ambas culturas. Su sonido fusiona la música de la India con electrónica ambiental y dancepop experimental. Logra ser simultáneamente actual y tradicional. Cogiendo su primer sitar cuando tenía solo doce años, Ami estudió música clásica del norte de India (voz y sitar) en Nueva Delhi Maryland, y también es licenciada en tecnología y composición musical por el prestigioso Conservatorio de Música del Oberlin College. Sus padres, al igual que nosotros, son fanáticos de la música de Bollywood, solo tenéis que escuchar alguno de nuestros podcasts en Radio Primavera Sound.

Desde joven se vio expuesta a movimientos como el synthpop y el trip-hop. Ami logró tomar todas estas influencias y mezclarlas para formar su propio sonido difícil de catalogar. Ella lo describe como noise/ambient influenciado por ragas de la India, hasta dancepop experimental. Descubrimos la música de Ami Dang con su primer LP ‘Hukam’ a través del sello Ehse Records en 2014 y nos fascino de inmediato. Algo de esa música nos hacía pensar en esos mundos de ciencia ficción como el de la serie Firefly o la película Blade Runner. Un futuro donde el dominio económico de Estados Unidos y Asia se hace tan grande, que la cultura global se convierte en un producto de la estética y la música de ambas regiones.

Siguiendo los pasos de artistas como Ravi Shankar y Philip Glass, busca avanzar el sonido de la música experimental, el pop y la electrónica contemporánea, a través de voces y sitar, ragas y muestras. Su objetivo es traer una paleta de sonido más amplia al legado de la llamada ‘world music‘. Con ese fin, ha colaborado y/o compartido escenario con artistas de la talla de Animal CollectiveGrimesFuture IslandsChairliftLower DensAriel PinkBeach HouseWye OakLil BBonnie Prince Billy y Dan Deacon, por nombrar algunos.

Su tercer y último álbum ‘Parted Plains’, fue lanzado en 2019 por Leaving Records. ‘Parted Plains’ se desarrolla como un nuevo tipo de banda sonora para un cuento popular aún por escribir que no es ni oriental ni occidentalni tradicional ni contemporáneo, sino algo mucho mejor.

  • enero 1, 2020

MOON DUO como nunca jamás los habías visto, explorando en directo su mejor disco y con un show de luces auténticamente flipante por obra y gracia de Emmanuel Biard.

Stars Are the Light’, es el 7º álbum luminoso de los exploradores de la psicodelia vaporosa estadounidense Moon Duo marcando una progresión hacia un territorio significativamente nuevo. Ellos han cambiado, la naturaleza de su colaboración ha cambiado, el mundo ha cambiado y querían que la nueva música reflejase eso. El álbum tiene una fisicalidad sonora que es a la vez propulsora y ondulante. Pone la lanza en el corazón de un nexo expansivo que conecta el cuerpo con las estrellas.

En este disco encontramos canciones sobre la experiencia humana: amor, cambios, malentendidos, lucha interna, alegría, miseria, alienación, discordia, armonía, celebración, representadas como una especie de danza del yo, tanto en relación con otros seres como de uno mismo hacía el cosmos.

Tomando el baile como su punto de partida orientado al groove, ‘Stars Are the Light’ brilla con elementos del funk de los 70 y rave de los 90. El característico sonido de guitarra de Ripley Johnson es más lánguido y refinado, mientras que los sintetizadores y las voces oníricas de Sanae Yamada están en primer plano para crear una espaciosa percusivo que invita al cuerpo a moverse con sus ritmos hipnóticos.

Entendemos que es muy inspirador crear música de baile y hacerla para sonar en espacios de libre expresión a través de la danza, la moda y el modo de ser; donde todos son bienvenidos, se celebra la diversidad y la identidad puede libremente fluir; donde la fuerza vital nos anima a cada uno de nosotros de manera diferente para poder florecer.

  • diciembre 11, 2019

TWEN y sus riffs bañados por el sol en una fusión de todas las formas creativas del indie-rock con sutiles toques dream-pop memorables, nos visitan en Barcelona Madrid a mediados de febrero.

¿Qué es una banda de gira sin un disco? Durante los últimos dos años, Twen ha redefinido el aspecto de grupo de gira en una era de pop homogéneo diseñado para el consumo. Nacidos en la escena DIY de Boston para luego irse rápidamente a Nashville, el cuarteto inspirado en el indie-rock-punk no ha dejado de viajar desde su formación, lo que representa un antídoto refrescante en un mundo cada vez más digital. Dirigidos por la vocalista Jane Fitzsimmons y el guitarrista Ian Jones, la banda ha acumulado un calendario de giras que pocos grupos podrían reunir sin la ayuda de un álbum debut.

Sin tener en cuenta el orden de operaciones de la industria de la música, Twen desafió el molde a través de un lanzamiento de cassette llamado ‘Twen Live‘ en 2017. Grabación de su primera actuación (en la historia) en un sótano de Boston, el EP de 5 canciones fue su única música grabada antes de su primer larga duración, ‘Awestruck’, lanzado a través de Frenchkiss Records el pasado 20 de septiembre de 2019 y que vendrán a presentar a Barcelona y Madrid los días 17 y 18 de febrero por primera y especial vez. 

Una cápsula del tiempo de su música dentro y fuera de la carretera, dos años después. Grabado en diferentes momentos y lugares, cada canción se basa en la siguiente, comenzando con la canción principal y que da nombre al álbum, ‘Awestruck’, la primera canción escrita entre los dos.

Riffs bañados por el sol en una fusión de todas las formas creativas en que Jones toca la guitarra y Fitzsimmons, con una madurez vocal y complejidad, doblando intencionalmente su voz para que en muchas ocasiones enmascarar sus palabras, para obligar a los oyentes a confiar en sí mismos y sentirse más cómodos con la emoción intuitiva y subyacente al escuchar las canciones.

Aunque descaradamente indie-rock con sutiles toques dream-pop memorables, sus canciones cambian de género desde paredes de sonido y distorsión hasta armonías vocales al estilo The Beatles, es decir, melodías infecciosas que son tan atemporales como simples.

  • diciembre 6, 2019

L’Eclair, referente de la combinación de grooves y de aquellos ritmos que nunca suenan igual, nacieron de los brumosos paseos nocturnos por Londres durante el invierno de 2015. L’Eclair inicialmente se formó como un dúo, compuesto por Sébastien Bui y Stefan Lilov. La pareja trabajó en el concepto de la banda durante meses antes de regresar a Ginebra, su tierra natal, donde todo lo relacionado con la música estaba a punto de explotar. El ritmo era su objetivo, pero necesitaban una banda más grande. Por eso, los viejos amigos, Elie Ghersinu y Yavor Lilov se unieron a la banda, respectivamente, al bajo y la batería. Y no mucho después, Quentin Pilet a los bongos y Alain Sandri al melotrón / cencerro terminaron la formación.

Sauropoda‘, el disco que vienen a presentar en 5 únicas fechas por la península: Barcelona, Madrid, Zaragoza, Donosti y Vigo, respectivamente. Es la manera de como estos magníficos suizos suenan ahora mismo, en la época dorada del proto-groove. Pero no nos vamos obsesionar mucho con clasificarlos. Muchas etiquetas podrían ser válidas para sus composiciones bailables: groove, funk, kraut… Para muestra un botón, ¡échadles una escucha a ‘Funky Splash‘!

  • noviembre 14, 2019

Pocos músicos pueden producir una propuesta sonora tan diversa y lograda como ésta, que parte del krautrock (el rock experimental alemán nacido a finales de los años 60), mezclado con el post-punk. Todo, salpicado con una serie de sonidos que recuerdan ritmos tan cálidos como el groove brasileño.

El resultado es una colección de temas cien por cien bailables que, pese a estar cantadas en alemán, un idioma difícil para las orejas mediterráneas, están llenas de unos grooves universales y contagiosos que sólo son capaces de producir Sevi Landolt (órgano, sintetizadores y voz) y Daniel Bachmann (batería y voz).

Preparaos, pues, para un concierto que os hará bailar a base de bien con un sonido único y personal que a veces recuerda al funk y a veces al jazz, aunque el punto de partida sean estructuras frías y casi mecánicas que recuerdan, por ejemplo, a Neu! o a los míticos Kraftwerk.

Si no conocéis a este dúo suizo y os gusta bailar, no dejéis de comprar la entrada para este concierto. Y si ya erais adictos a temas de tanto peso de sus LPs ‘Im Sinne der Zeit‘ o ‘Spagat der Liebe‘, corred a descubrir las pequeñas joyas que forman este último disco, ‘Du bist so symmetrisch‘.

  • septiembre 30, 2019

Durante los últimos 11 años, Daniel Norgren (Superpuma Records) ha demostrado ser uno de los artistas en directo más destacados de toda Europa. Su último álbum ‘Wooh Dang‘ (2019) tuvo una excelente acogida y muestra el poder primitivo y crudo de la banda en directo. Este tour selecto en solitario será una oportunidad única para experimentar una dimensión muy íntima e intensa de la música de Daniel Norgren.

  • septiembre 17, 2019

Acabas de apretar el play para meterte por primera vez en el más reciente trabajo de Helado Negro, ‘This is How You Smile’, y ya pareces estar recordándolo mientras lo escuchas, como si ya fuera un hábito: tiene esa rara cualidad de los discos que nacen con pinta de clásico. Está lleno de pequeñas piezas dream folk que activan resortes en tu memoria difíciles de explicar. ¿País Nublado no la tarareaba tu madre en el coche? ¿’Two Lucky’ no sonaba en aquella película que ponían todos los veranos? Su familiaridad reconforta: la tradición también puede venir de 2019.

Roberto Carlos Lange, hijo de emigrantes ecuatorianos nacido en Florida y asentado en Brooklyn, lleva firmando música con el alias Helado Negro desde hace una década. Unas veces la canta en castellano; otras, en inglés. Él la llama “psychedelic meneíto”. La mayoría desde que debutó con Awe Owe en 2009 la ha publicado desde el sello de Sufjan Stevens, uno que también tiene una habilidad especial para hacernos evocar cosas que no nos han pasado nunca. Otro día hablamos de las que no nos pasarán nunca: por ejemplo, que veamos publicados muchos discos mejores que ‘This is How You Smile’ en lo que queda de año.

MARTES 19 DE NOVIEMBRE – BARCELONA (RAZZMATAZZ 3)
JUEVES 21 DE NOVIEMBRE – MADRID (MOBY DICK)

Entradas ya a la venta al precio de 18 € (más gastos de distribución) en Redtkt y Ticketmaster.

  • septiembre 12, 2019